Linda Baritski (AKA Season of Victory) sur sa campagne mondiale "Kiehl's Loves".

Partie 2 : Écrit par Garrick Webster

L'illustratrice londonienne Linda Baritski a récemment conclu une collaboration de sept mois avec la société de soins de la peau Kiehl's. En tant que dernière illustratrice de Kiehl's Loves, elle a créé des œuvres d'art sur mesure pour 48 sites Kiehl's à travers le monde, mettant l'accent sur les aspects distinctifs de la culture locale dans son style vibrant, graphique et éclectique.

Dans l'interview qui suit, l'artiste parle de la genèse du projet, de son processus créatif et des défis à relever pour aborder un projet aussi vaste et varié.

Quand et comment le travail est-il né ?

En avril 2021, Travis Cain, le vice-président créatif de Kiehl's à l'époque, m'a envoyé un e-mail pour savoir si je voulais faire un test pour un projet Kiehl's Loves. J'étais déjà un grand fan de l'utilisation de l'illustration par l'entreprise dans le marketing et l'emballage et je connaissais les versions précédentes de la campagne, donc c'était un énorme « OUI ».

Quelles ont été les prochaines étapes ?

La version de test avait un délai très serré mais était passionnante à créer. On m'a demandé de créer une illustration de portrait représentant Hainan, en Chine, qui s'est avérée être l'une de mes illustrations préférées du projet maintenant qu'il est terminé. Après avoir été choisi pour le projet, nous avons traité chaque emplacement comme un client distinct.

Que représentait cette opportunité pour vous ?

Travailler avec Kiehl's a été une collaboration de rêve pour moi depuis que j'ai commencé comme illustrateur indépendant en 2017. J'étais un grand fan de leurs collaborations avec certains de mes artistes et illustrateurs préférés tels que Craig & Karl, Peter Max, Aries Moross, Jeremyville , Simone Massoni et Ali Mac donc travailler sur ce projet était incroyable. Lorsque j'ai signé pour la première fois avec IllustrationX en 2018, j'ai en fait écrit dans le questionnaire d'introduction que Kiehl's serait un client de rêve.

Comment avez-vous abordé l'œuvre d'art ?

Pour chaque lieu, on m'a donné un brief visuel de références culturelles intéressantes parmi lesquelles choisir. Certains endroits avaient des couleurs spécifiques ou une couleur de fond spécifique qu'ils préféraient tandis que d'autres me laissaient cela. Les marchés locaux ont fourni plus de détails et d'informations contextuelles qui m'ont aidé à comprendre leurs projets spécifiques et comment les images seraient utilisées pour mettre en évidence certaines dates ou certains projets tout au long de l'année.

Tout le reste était ouvert ! Le brief pour chaque pays/ville variait - certains étaient plus spécifiques sur l'imagerie et la couleur, tandis que d'autres étaient très ouverts, me permettant de décider quelle imagerie développer à partir de leur liste de possibilités. J'ai fait des recherches un peu plus sur chacun, principalement par curiosité.

Quel genre de look et de sensation recherchiez-vous?

J'étais un grand fan de leurs projets passés avec des illustrateurs - ils avaient beaucoup d'énergie, un peu d'humour et des couleurs vibrantes mais ils laissent toujours briller le style unique de chaque illustrateur.

Quels médias utilisez-vous et quel est votre processus ?

Habituellement, je dessine d'abord - juste des notes approximatives et des idées. Ensuite, je crée des croquis plus serrés sur mon iPad avant de finaliser dans Adobe Illustrator. Pour ce projet, en raison de notre calendrier serré, je suis passé directement au vecteur pour gagner du temps et tous les ajustements ont été apportés lors des révisions.

Quels commentaires et modifications avez-vous reçus au cours du processus ?

Pour chaque emplacement, nous avons eu trois séries de révisions. Comme je commençais sur certaines illustrations, je travaillais sur des corrections pour d'autres. Chaque emplacement avait un consommateur différent, donc leurs commentaires étaient importants et je les interprétais ensuite de manière ludique.

Y a-t-il eu des accidents heureux en cours de route ?

Pour chaque illustration, je suis passé par un processus étrange pour arriver à un point où j'avais l'impression que ça n'allait pas marcher. Puis, généralement tard dans la nuit, cela se réunissait soudainement pour moi visuellement.

Quelle a été votre préférée et pourquoi ?

La Thaïlande est sans aucun doute un grand favori pour moi - j'espère voir certaines des illustrations sur les produits lors de ma visite là-bas à la fin de l'année. Paris avait beaucoup d'images emblématiques. Hainan était le premier pour le projet, donc un autre favori. J'ai aussi adoré les éléments culturels uniques des pays d'Amérique du Sud - Guatemala, Porto Rico, Panama. J'ai vraiment eu la chance d'être très coloré avec eux.

Qui est le personnage squelette dans chaque illustration ?

Monsieur Bones ! Si vous visitez n'importe quel magasin Kiehl's, il y a un Mr Bones vêtu de lunettes, d'un nœud papillon et d'une blouse de laboratoire. Chaque illustrateur qui a travaillé avec Kiehl's a créé sa propre version de Mr Bones. Lorsque j'ai créé le mien, j'ai utilisé une partie de mon expérience dans l'art des personnages et les licences pour créer un mini kit de personnage. J'ai créé plusieurs poses expressives de têtes et de corps, des icônes et une variété de motifs spécifiques au marché local

Sur sept mois et plus de 40 sites, quels ont été les principaux défis auxquels vous avez été confrontés ?

Parce qu'il y avait tellement d'endroits impliqués et trois séries de révisions pour chacun, nous avons dû rester très organisés. Il y a une croyance à l'ancienne selon laquelle les créations doivent être désordonnées et désorganisées, mais vous ne pouvez pas être avec un projet de cette taille. Ma zone de peinture est une autre histoire, cependant!

Heureusement, j'ai travaillé avec Emanuel Brown chez Kiehl's tout au long et nous étions tous les deux méthodiques. Certaines semaines, lorsque les choses étaient en revue avec les clients, j'avais le temps de faire d'autres projets ou de travailler sur mes peintures et de me reposer du travail sur ordinateur. D'autres semaines, de nombreux commentaires ont été reçus, donc le calendrier était plus serré. Une fois le projet terminé, j'ai pris un mois de congé, je me suis simplement détendu et je suis parti en vacances ! C'était intense pendant ces sept mois mais vraiment amusant en tant qu'illustrateur.

C'est certainement le plus gros projet sur lequel j'ai travaillé en tant que pigiste, mais j'ai travaillé sur des projets de cette envergure dans le passé, alors j'ai compris ce que cela impliquait.

Comment vous êtes-vous assuré que les références culturelles étaient traitées avec sensibilité ?

Je pense que parce que j'ai eu l'expérience de travailler avec des clients de nombreux pays et cultures différents, je suis toujours respectueux de leur contribution en matière d'imagerie et je suis toujours ouvert à inclure ou supprimer quelque chose. J'ai également compris le sentiment de fierté que chaque pays aurait pour de nombreux éléments, je voulais donc les représenter avec respect tout en reflétant les choses dans un style vivant et vivant.

Quel avenir pour Linda Baritski ?

Je travaille sur quelques projets clients d'ici la fin de l'année et passe un peu plus de temps à peindre et à créer des projets personnels. J'aimerais collaborer sur des projets d'installation ou des projets spécifiques à un site, intérieur ou extérieur, ou décorer un bus, une voiture ou un avion avec mes illustrations. Ou peut-être travailler avec une entreprise de boissons sur sa prochaine campagne. J'aimerais travailler à nouveau sur un autre projet de cette taille.

Quelles sont vos principales influences ?

Patrick Caufield, art psychédélique, Peter Max, Pop Art, John Alcorn, Milton Glaser et Tadanori Yokoo.

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